Alla menzione dello stile Art Nouveau, linee bizzarramente curve, l'assenza di angoli retti e un bizzarro intreccio di steli, foglie, fiori e frutti, ravvivati ​​dagli insetti, appaiono nella memoria. Tutti questi sono tratti caratteristici del movimento floreale dell'Art Nouveau, a noi familiare come Art Nouveau. Lo stile si basa sul rifiuto dell'arte cerimoniale tradizionale e sul tentativo di portare la bellezza della natura, nuove forme e tecnologie di produzione nella vita di tutti i giorni, rendendo qualsiasi oggetto un'opera d'arte. I fondatori dello stile hanno proclamato l'unità dell'uomo e del suo ambiente, inclusi interni, architettura, arte.

Lo stile Art Nouveau, a differenza di altri, è chiaramente limitato dal lasso di tempo: la fine degli anni 1880-1914. Le sue caratteristiche distintive sono:

• linee lisce, bizzarramente curve (uno dei tratti caratteristici del quale è chiamato "colpo di frusta") e superfici curve,
• tenue, vicino ai colori naturali: blu, bianco, beige, oliva, grigio argento, viola pallido;
• luci soffuse, attenuate da lampade in vetro colorato e vetrate colorate;
• l'uso di materiali naturali e le loro combinazioni: vetro, pietra, ceramica, legno, metallo, tessuti;
• il tema principale dell'arredamento è la natura: paesaggi, motivi vegetali e floreali, insetti e uccelli. 

Nell'era moderna, al simbolismo viene assegnato un ruolo speciale. Ogni disegno non è solo un'immagine, ma anche il pensiero dell'artista, espresso attraverso simboli, colori e composizione. Immagini di fiori e piante portano il loro carico semantico: l'orchidea simboleggia splendore, lusso e amore, la felce - pace e tranquillità, la rosa - la bellezza della vita, giglio - purezza e purezza, ortensia - modestia e sincerità, iris - luce e speranza, clematide - tenerezza, cardo: coraggio e forza d'animo. Il bocciolo, come simbolo della nascita della vita, sta diventando uno degli elementi più diffusi del disegno in Art Nouveau.

Spesso si trova l'immagine di un papavero, che denota il passaggio tra il sonno e la realtà, la vita e la morte. I singoli fiori sono preferiti ai mazzi che erano così popolari nei secoli precedenti. C'è una moda per i prodotti che imitano un fiore in un bicchiere d'acqua.

L'ornamento sta guadagnando una popolarità speciale grazie all'immagine abbastanza riconoscibile, ma convenzionale delle piante. Piante acquatiche stilizzate con steli e foglie lunghi e stretti - gigli, ninfee, canne - creano un'atmosfera di un flusso calmo della vita. Le curve dei contorni sottolineano la dinamica: la crescita e il movimento delle piante. I contorni fantasiosi del fiore, in contrasto con la linearità delle foglie e degli steli, ne sottolineano la bellezza e il lusso: iris, orchidee, ciclamini, crisantemi, rose, ecc. L'iride diventa l'emblema dell'Art Nouveau. Usano spesso immagini di fiori di bosco: mughetti, kupavka, denti di leone, cardi, fiordalisi, concentrandosi sul fascino della semplicità e della vita quotidiana.

Lo standard dell'Art Nouveau era un disegno di Herman Obrist (1895), che raffigura un ciclamino con un gambo ricurvo decorato. Il profilo caratteristico della curva ha anche preso il suo nome - "il colpo di frusta" - ed è stato successivamente utilizzato attivamente dagli artisti.

Il movimento floreale dell'Art Nouveau, l'Art Nouveau, si formò in Francia, con Parigi e Nancy che divennero i suoi centri principali. Parigi era leader nell'architettura, Nancy - nelle arti decorative e applicate (in particolare nella produzione di mobili e vetro). Secondo i canoni dello stile, l'arte dovrebbe circondare una persona sempre e ovunque, ogni oggetto dovrebbe essere unico allo stesso tempo. Questi comandamenti furono seguiti dai maestri dell'Art Nouveau, che gettarono le basi per la diffusione del nuovo stile.

Uno di questi maestri era il famoso architetto Emile Guimard. Fino ad ora, parigini e turisti ammirano la raffinatezza e la brevità del design degli ingressi della metropolitana di Parigi, realizzato secondo i suoi progetti. È stato in grado di dare alle strutture metalliche la forma di piante viventi. Tali opere, "animate" dalla forma naturale, sono chiamate organogene.

Le case costruite secondo i progetti di Guimard a Parigi e Schechtel in Russia possono servire come esempi di architettura Art Nouveau. Le mostre internazionali parigine, che godevano di grande popolarità e autorità, hanno svolto un ruolo enorme nella promozione dello stile. Il numero di visitatori delle mostre di Parigi ha raggiunto i 51 milioni di persone. Una delle case di Guimard - l'hotel Beranger - divenne il soggetto della mostra internazionale del 1898 a Parigi.

E il padiglione espositivo della Bosnia ed Erzegovina nel 1900 è stato progettato da un altro maestro dell'Art Nouveau - Alfons Mucha, i cui poster teatrali con figure femminili in abiti fluenti e ornamenti floreali sono diventati il ​​canone dello stile.

Lo scopo dell'Art Nouveau è creare un ambiente di vita confortevole e bello. Ecco perché il design complesso di edifici nello stesso stile è in voga, dal tetto all'ultimo chiodo. L'architetto progetta l'edificio dall'interno verso l'esterno, dapprima plasmando l'interno e solo successivamente si passa al disegno della facciata dell'edificio, che spesso diventa asimmetrica.

Architettura e interni sono interconnessi e uniti da una comune espressione stilistica. Uno dei tratti caratteristici degli edifici in stile Liberty sono i pannelli di mosaico in ceramica. È così che vengono spesso decorati i fregi delle case. Uno stile unitario di decorazione d'interni porta alla creazione di insiemi unici, tra cui soffitti, lampade, pannelli a parete, set di mobili e pavimenti in parquet.

In alcuni casi, gli artisti, creando un ambiente di vita armonioso, sviluppano completamente non solo gli interni, ma anche gli abiti domestici dei proprietari. Su questa onda compaiono personaggi di spicco, soggetti a tutto: dalla cattedrale della Sagrada Familia all'ornamento della panchina, dal palazzo al catenaccio in esso contenuto .

I mobili di questo periodo sono caratterizzati da un gran numero di varie piattaforme - mensole, tavoli e quant'altro - per posizionare elementi decorativi. Ma l'Art Nouveau ha trovato la sua massima espressione nell'arte decorativa e applicata. L'idea di crescita e sviluppo - chiave nella filosofia dell'Art Nouveau - rende le piante il motivo più conveniente ed espressivo per la decorazione. L'Art Nouveau non si sforza per un'immagine tridimensionale, preferendo bizzarri modelli piatti, che è facilitata dalla convenzionalità accettata della rappresentazione delle piante.

Il vetro sta diventando uno degli elementi decorativi più apprezzati. In questo campo, il francese Emile Galle e l'americano Louis Comfort Tiffany si sono succeduti e sono diventati famosi. La tecnica del vetro colorato di Tiffany ha guadagnato una particolare popolarità. La tecnologia di unire pezzi di vetro colorato con lamina di rame ha permesso di creare prodotti luminosi e squisiti. Le opere uniche di Lalique e Fabergé hanno lasciato un segno indelebile nell'arte orafa di questo periodo. Le uova di Pasqua Fabergé "Trifoglio" e "Mughetti", che invariabilmente deliziano il pubblico, sono un vivido esempio della tendenza floreale dell'Art Nouveau. L'intera superficie dell'uovo di trifoglio è un ornamento continuo di foglie di trifoglio.

Emile Halle (1846-1904) fu in prima linea nell'Art Nouveau. Ha integrato la formazione professionale del designer con una profonda conoscenza della filosofia e della poesia del simbolismo, della botanica e della biologia. Successivamente, questa conoscenza sarà incarnata nelle sue opere con dettagli dell'immagine delle piante e una comprensione filosofica della natura. La conoscenza della poesia del simbolismo gli consentirà non solo di sentire sottilmente, ma anche di intrecciare i versi dei suoi poeti preferiti - C. Baudelaire, S. Malarmé, P. Verlaine, F. Villon - nei suoi prodotti, che lo hanno reso famoso come autore del "vetro parlante".

Galle fu portato all'apice della sua gloria dai suoi vasi in vetro stratificato. All'Esposizione Internazionale di Parigi del 1898, le sue opere furono premiate con la medaglia d'oro della mostra e il loro autore fu insignito dell'Ordine della Legion d'Onore.

Nei disegni e negli ornamenti delle sue opere, ci sono spesso immagini di ombrelli, orchidee selvatiche, levkoi, convolvolo, sorbo e foglie di ribes, oltre a motivi orientali con rami di pino e coni, sakura, uccelli e pesci.

Nei vasi Galle, ci sono da 2 a 5 strati di vetro colorato (solitamente tre), creando sfumature diverse. Il pezzo in lavorazione multistrato è stato inciso, a seguito del quale è apparso un motivo traslucido volumetrico, come sui cammei, che è stato perfezionato mediante incisione. Questa tecnica del "vetro cammeo" che ha reso famosa Halle è stata sviluppata dall'antica tecnologia cinese del vetro stratificato intagliato. I vasi Galle sono sempre pesanti, con un disco lucido nella parte inferiore, che permette di vedere la struttura a più strati del prodotto. Le opere di Galle sono piene di paesaggi romantici e ornamenti di fiori, frutti, erbe e insetti, creando insieme un motivo unico, in cui la firma dell'autore è tessuta organicamente.

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Nel 1900, Emile Halle aveva raggiunto l'apice della sua fama. Nessuna casa che si rispetti, indipendentemente dal livello di ricchezza, potrebbe fare a meno dei suoi prodotti. Halle ha suddiviso i prodotti della sua fabbrica in tre categorie: seriali, prodotti in circolazione industriale, di piccola scala o "semi-lussuosi" (semi-ricchi), come veniva chiamato, prodotti in piccoli lotti, ed esclusivi (Pieces uniques - prodotti unici) o "lussuosi", realizzati da lui stesso dallo stesso Galle in un'unica copia, come un vaso con un drago. 

La prima regina rumena, Elisabetta, era una fan e patrona di Galle, che aprì una filiale della sua fabbrica in Romania. Vasi unici donati personalmente dall'autore (come Edelweiss, Honey Cup, Paradise Muse, Moonlight) hanno gettato le basi per la collezione della casa reale rumena.

Un'eccellente collezione di opere di Galle è conservata nell'edificio dello stato maggiore dell'Ermitage di San Pietroburgo. Anche Nicola II e Alexandra Feodorovna furono affascinati dal lavoro di Halle nel 1896-1900. Le stanze dell'imperatrice erano decorate con i suoi prodotti. È noto che scelse appositamente la sua scrivania per posizionare un vaso con clematide su di essa, e Nicola II fu presentato con un paio di vasi con orchidee rosa come dono della Lorena. Alcuni dei prodotti di Galle, per ordine di Alexandra Feodorovna, furono incastonati in argento da Fabergé.

I vasi Galle esposti all'Esposizione mondiale di Parigi del 1900 furono acquisiti dal barone A.L. Stieglitz, la cui collezione dopo la rivoluzione ha moltiplicato i tesori dell'Hermitage.

L'elettricità, una novità alla fine del XIX secolo, diede impulso al nuovo lavoro di Halle: i primi paralumi e portalampade in vetro. Realizzati con la tecnica dell'intarsio o del cammeo, illuminati dall'interno e che danno una luce fioca, hanno fatto colpo sul mercato. Molti modelli di lampade da tavolo sono stati creati da Halle in collaborazione con Louis Majorelle, che ha realizzato cornici artistiche per il vetro.

Nel 1901, su iniziativa di Halle, fu creata l'Alliance Provinciale des Industries d'Art, che univa piccoli laboratori locali di produzione di arti decorative e applicate, e diede impulso allo sviluppo dell'industria artistica dell'intera regione.

Successivamente, l'Alleanza è stata chiamata Scuola di Nancy (L'Ecole de Nancy), dal nome della scuola d'arte di design creata nell'Alleanza ed esistita per più di 10 anni. Nel corso del tempo, il nome "School of Nancy" è stato associato al centro di produzione di prodotti in stile Art Nouveau. L'emblema della scuola era la croce di Lorena e il cardo, che simboleggiavano la resistenza.

L'enorme varietà di opere d'arte di alta classe prodotte dai membri dell'Alleanza ha fatto guadagnare alla Scuola la fama in mostre internazionali e il riconoscimento pubblico in Germania, Gran Bretagna, Belgio, Italia, America e Russia.

Il successo di Halle è stato contagioso. Il suo esempio è stato seguito dai fratelli Dom, membri dell'Alleanza, la cui fabbrica di vetro Daum Freres & Cie. Verreries de Nancy ”è ancora fiorente. Dal 1889 iniziò la produzione industriale di vasi con disegni vegetali. I loro prodotti si distinguono per un'immagine più naturalistica. L'elenco dei metodi di lavorazione era praticamente lo stesso di quello di Halle, la produzione di massa mancava solo della raffinatezza delle sfumature e dei trabocchi di colore. I vasi e le lampade in vetro Cameo erano i più apprezzati della loro gamma di prodotti.

Avendo raggiunto la popolarità con l'aiuto del vetro cammeo, Galle non poteva stare lontano dalla creazione di mobili. A causa della complessità della lavorazione, è stato creato solo come unico o "semi-lussuoso", secondo la gradazione dello stesso Galle. I mobili erano in legno di palissandro, quercia, acero, noce, specie di frutta - mela, pera. Il maestro ha privilegiato le specie arboree locali che crescono in Lorena. L'intarsio a rilievo con diversi tipi di legno e l'obbligatoria lavorazione manuale dei dettagli contraddistinguono i suoi prodotti. Per la decorazione Galle ha utilizzato motivi naturali, farfalle e libellule. A suo parere, "L'arredamento dei mobili moderni, strettamente associato alla natura, non può rimanere insensibile alla nobiltà delle forme naturali".

Oltre agli intarsi, nelle sue opere compaiono molti elementi scolpiti. La forma spesso diventa asimmetrica e per la prima volta le gambe degli oggetti assumono la forma di libellule o zampe di rana, oppure sono decorate con ornamenti floreali.

Il 1909 è stato l'ultimo anno in cui le opere dei membri della Scuola di Nancy sono state esposte insieme. L'Art Nouveau, con i suoi pezzi sofisticati e costosi che cercavano l'esclusività, lasciò il posto a uno stile Art Déco più economicamente sostenibile con la produzione di massa di pezzi d'arte economici.

Nel 1964 è stato aperto il Museo della Scuola di Nancy. La maggior parte delle mostre del museo sono esempi di mobili unici, vetrate colorate e vetri Art Nouveau. Il giardino del museo è decorato con una porta in quercia della bottega di Galle, realizzata nel 1897 dall'ebanista Eugene Wallen. È decorato con foglie di castagno intagliate e il motto di Emile Galle "Le mie radici sono profonde nella foresta", che riflette tutto il suo lavoro.

Alla fine degli anni '90, la Scuola ha ripreso la sua esistenza e il 1999 è stato dichiarato l'anno della Scuola di Nancy. Nel 2013 nel Gran Palazzo del Museo Tsaritsyno-Riserva la mostra “Emile Galle. Glass Rhapsody ”, dove si può conoscere il lavoro di Galle.

Nel tempo, la tendenza floreale dell'Art Nouveau, che trasporta idee di rinnovamento e bellezza nella vita di tutti i giorni, ha iniziato ad essere associata all'Art Nouveau in generale. L'immagine stilizzata dei fiori e le linee bizzarramente curve ci riportano ogni volta all'era dell'età dell'argento, regalandoci la gioia di comunicare con la natura e l'arte.